JOHNNY PARKER – ESCRITOR

Hay una historia que se repite cada vez que aparece una nueva tecnología. Alguien anuncia el fin del arte tal como lo conocemos. Otro responde con entusiasmo y habla de una nueva era. En medio de ese ruido, los artistas hacen lo que siempre han hecho. Dudan, se resisten, experimentan y, finalmente, transforman su práctica. Más que una guerra entre arte y tecnología, lo que vemos es una negociación constante sobre qué significa crear. El valor del arte debe siempre estar enfocado en el proceso creativo.

En el siglo XIX, la aparición de la fotografía sacudió el mundo de la pintura. Durante siglos, el pintor había sido el encargado de fijar rostros, paisajes y escenas históricas. La cámara parecía hacer lo mismo con mayor rapidez y precisión. La anécdota atribuida a Paul Delaroche, quien habría dicho que la pintura estaba muerta, resume bien el desconcierto de la época. Sin embargo, lo que ocurrió fue casi lo contrario. Al liberarse de la obligación de copiar la realidad, la pintura se volvió más audaz. Los artistas comenzaron a explorar la luz, la percepción y la emoción. El Impresionismo y más tarde el Expresionismo no habrían sido posibles sin esa crisis inicial. La tecnología no destruyó la pintura, la empujó hacia territorios que antes parecían secundarios o incluso irrelevantes.

Algo parecido ocurrió con la música en el siglo XX. La llegada de los sintetizadores y las cajas de ritmo provocó una reacción defensiva. Para muchos, la música electrónica era fría, mecánica y carente de alma. Sin embargo, artistas como Kraftwerk demostraron que lo artificial podía tener una estética propia, incluso poética. Más tarde, figuras como Brian Eno llevaron esa exploración hacia territorios más introspectivos, donde la música ya no se pensaba solo como canción, sino como atmósfera. Lo interesante es que estas herramientas no eliminaron la creatividad humana, sino que cambiaron la manera de ejercerla. Componer dejó de ser únicamente escribir notas para instrumentos tradicionales y pasó a incluir la manipulación de sonidos, texturas y procesos.

En el terreno de las artes visuales, la llegada de la computación abrió otra puerta. El arte generativo y los modelos digitales introdujeron la idea de que una obra puede surgir de un sistema más que de un gesto directo. Artistas conceptuales como Sol LeWitt ya habían sugerido que la idea podía ser más importante que su ejecución material. Con las impresoras 3D y los algoritmos, esa intuición se volvió práctica cotidiana. El artista diseña reglas, parámetros o estructuras, y la máquina ejecuta. En ese desplazamiento, la autoría no desaparece, pero se vuelve más difusa. Crear ya no siempre implica hacer con las manos, sino pensar procesos.

El cine ofrece otro ejemplo revelador. Cuando aparecieron los efectos digitales, muchos temieron que la espectacularidad técnica desplazara la narrativa. Películas como Jurassic Park marcaron un punto de inflexión al mostrar criaturas imposibles con un realismo inédito. Décadas después, el debate sigue abierto. Sin embargo, los mejores cineastas no han abandonado la narración, sino que han integrado la tecnología como una herramienta más. La pregunta no es si el efecto especial sustituye a la historia, sino cómo puede potenciarla o transformarla.

Hoy, la inteligencia artificial parece llevar esta tensión a un nuevo nivel. A diferencia de tecnologías anteriores, no solo amplía las capacidades del artista, sino que simula procesos creativos completos. Puede escribir textos, componer música o generar imágenes con una intervención humana mínima. Esto ha reactivado viejos temores. Se habla de la pérdida de originalidad, de la automatización del arte y de la desaparición del autor. Pero si miramos hacia atrás, el patrón es familiar. Cada innovación importante ha provocado una crisis similar.

Lo que sí cambia es la profundidad del cuestionamiento. La IA no solo obliga a replantear cómo se hace el arte, sino qué entendemos por creatividad. Si una máquina puede producir una imagen convincente o un texto coherente, entonces el valor del arte ya no puede basarse únicamente en el resultado. Tal vez deba desplazarse hacia la intención, el contexto o la experiencia. En ese sentido, la discusión actual no es solo tecnológica, sino también cultural y filosófica.

Hay una idea sugerente en los textos de Walter Benjamin sobre la pérdida del aura en la era de la reproducción técnica. Para Benjamin, la capacidad de reproducir una obra de manera masiva transformaba nuestra relación con ella. Algo similar podría estar ocurriendo ahora, pero a una escala mayor. No solo se reproducen las obras, también se producen de forma automatizada. La pregunta es si eso disminuye su valor o si, por el contrario, abre nuevas formas de experiencia estética.

Quizá la clave esté en dejar de pensar en términos de sustitución. La tecnología no elimina al arte, pero sí lo obliga a moverse. Cada vez que una máquina hace mejor una tarea específica, el arte abandona ese territorio y explora otros. La pintura dejó de competir con la fotografía, la música encontró nuevas formas en lo electrónico y el cine aprendió a convivir con lo digital. Es probable que con la inteligencia artificial ocurra algo similar, aunque todavía no sepamos exactamente cómo.

Al final, el arte no es solo una técnica, ni siquiera un conjunto de técnicas. Es una forma de interrogarnos sobre lo que somos y sobre el mundo que habitamos. Las herramientas cambian, a veces de manera radical, pero esa necesidad de explorar y de dar sentido permanece. Por eso, cada vez que alguien anuncia la muerte del arte, conviene recordar que lo que en realidad está muriendo es una forma específica de entenderlo. Y eso, lejos de ser una tragedia, suele ser el comienzo de algo más interesante.