JOHNNY PARKER – ESCRITOR

En el tránsito del siglo XX hacia la abstracción, la pintura dejó de ser un espejo del mundo visible para convertirse en un territorio de resonancias interiores. En ese proceso, cuatro artistas —Kandinsky, Klee, Rothko y Pollock— trazaron rutas paralelas que, aunque diversas, comparten una misma aspiración: liberar la imagen de la obligación de narrar figuras y acontecimientos y, en cambio, hacerla vibrar como una experiencia estética total, comparable a la música, la poesía o la danza. Cada uno, desde sensibilidades distintas, convirtió el lienzo en un espacio donde color, forma y ritmo se independizan para hablar un lenguaje propio.

Kandinsky fue quien formuló esta revolución con mayor claridad teórica. Su percepción sinestésica —esa capacidad de escuchar los colores y ver los sonidos— lo llevó a imaginar la pintura como una composición musical. En obras como Composición VIII o Amarillo–Rojo–Azul, las líneas funcionan como notas, los puntos como pulsos rítmicos y los colores como acordes emocionales capaces de despertar una vibración interior. Su abstracción no es un ejercicio decorativo, sino un intento de dar forma a lo espiritual donde cada cuadro es una partitura en la cual el alma puede resonar. El color se convierte en energía, en un llamado casi metafísico.

Paul Klee, cercano a Kandinsky tanto en el grupo del Blaue Reiter como en su interés por la música, desarrolló una abstracción de naturaleza más íntima. Si Kandinsky piensa en sinfonías cósmicas, Klee escribe pequeñas partituras con figuras minúsculas, trazos caligráficos, ritmos discretos que revelan el funcionamiento interno del mundo. Su pintura se parece más a un pentagrama o a un ideograma que a una composición monumental. En sus obras, la línea danza con sutileza, y el color actúa como un murmullo poético que combina armonía y humor. Klee contempla la naturaleza no para representarla, sino para descifrar su gramática secreta: crecimiento, equilibrio, respiración.

Rothko, por su parte, transforma la abstracción en una experiencia de contemplación silenciosa. Aunque no apeló directamente a la música, sus grandes campos de color poseen una intensidad emocional cercana a la de un adagio; lentitud, gravedad, pausa. Frente a un Rothko, el espectador no “ve” colores; los encuentra como si fueran presencias que laten. Sus rectángulos suspendidos, vibrantes y nebulosos, generan una suerte de espacio litúrgico donde la pintura deja de ser objeto para convertirse en acontecimiento espiritual. Si Kandinsky busca la vibración del sonido, Rothko persigue la densidad del silencio: emociones puras, despojadas de cualquier figura.

Pollock, en cambio, entiende la pintura como acción, ritmo y trance. Su famoso dripping convierte al artista en un coreógrafo y al lienzo en un registro del movimiento corporal. Influido por el jazz y por la idea de improvisación, Pollock sustituye la composición planificada por la energía inmediata mediante líneas que caen, chorreados que se cruzan, gestos que capturan la intensidad del instante. Su obra es una danza sobre el lienzo, una memoria de la energía. Si Klee escribe y Rothko medita, Pollock baila. Su abstracción gestual es una sinfonía de impulsos que revela al inconsciente en su forma más cruda.

Compararlos permite comprender cómo la abstracción del siglo XX no fue un camino único, sino una constelación de búsquedas. Kandinsky aporta la teoría y la dimensión espiritual del color; Klee, la poética del ritmo y el símbolo; Rothko, la profundidad emocional del silencio; Pollock, la presencia vital del gesto. En conjunto, estos artistas muestran que la pintura puede funcionar como partitura, como lenguaje secreto, como altar o como danza. La abstracción, lejos de ser un abandono del mundo, se vuelve un modo más radical de percibirlo: a través del sonido y el silencio, del movimiento y la quietud, del color como emoción pura.

Cada uno de ellos propone una manera distinta de escuchar el arte. Y es precisamente en este diálogo —entre vibración, armonía, contemplación y energía— donde la pintura moderna encuentra su riqueza: en la posibilidad de que un cuadro no solo se mire, sino que se sienta, se escuche y se viva.